Quiénes fueron los diseñadores elegidos para CARAS Moda 2026: creatividad, moda y talento

Diseño, arte, identidad y nuevas formas de expresión se encuentran en esta edición de CARAS Moda. Desde la sastrería y el trabajo artesanal hasta la arquitectura, la performance y la experimentación textil, distintos creadores invitan a recorrer la intimidad de sus procesos de trabajo para la gran gala.

Los diseñadores elegidos para Caras Moda

Fabián Zitta, Evangelina Bomparola, Marcelo Giacobbe, Matías Carbone, Josefina Roveta, Luján Hæder, Agustina Goyhman, Javier Saiach, Luz Ballestero, Min Agostini, Carlos Herrera, Gerónimo Lagos y Beto Romano, fueron los diseñadores que brillaron en CARAS Moda 2026 en ArtLab. Cada uno de ellos dialogó con Revista CARAS y abrió la puerta de su trabajo para la gala, contando los secretos y todo lo que no se vio del recorrido que vivieron.

Fabián Zitta

Fabián Zitta está en su mejor momento, a punto de cumplir 25 años en la moda, con el lanzamiento de su primer perfume y próximo a presentar un libro que retrata todo su aporte y trabajo. Fue uno de los diseñadores elegidos para la nueva edición de CARAS Moda, espacio que reunió el vínculo de la moda con otras disciplinas como un grito de celebración.

Sobre el diseño elegido para Guillermina Valdés, que pertenece a la colección “Acto Número 1” presentada hace unos meses, Zitta enumera los materiales y técnicas que no faltaron en el proceso creativo. “Es un outfit muy Zitta que representa 100% mi universo. Está armado con un mega arnés en cuero y vinilo gofrado con una base de vestido furreau en viscosa y seda, todo en color negro junto con stilettos en punta en el mismo material, cuando los eventos son compartidos por varios colegas lo mejor es presentarse con su nicho creativo bien determinado, un sello distintivo que lo separe del resto. La moda se adapta a las nuevas formas de uso y de compra. La mujer argentina busca cosas exclusivas. Piezas que no tengan otros diseñadores o sean fáciles de encontrar”.

Zitta asegura que no hay nadie mejor que Guillermina para representar a la mujer que lo inspira en cada colección. Una figura icónica de la industria que además de inspirar belleza natural y sofisticación a primera vista, representa de pies a cabeza a la “mujer Zitta”: “Guillermina es una súper inspiración por su seguridad, personalidad y empatía. A ella la vestí varias veces y me eligió para vestirse cuando cumplió sus 40 años. Es un gran placer para mí porque además es una mujer decidida y con personalidad. Estoy seguro que el combo CARAS, Zitta y Valdez resultará explosivo. CARAS siempre apoyó toda mi carrera, y siempre fue generosa en darme espacios donde mostrar mis colecciones. Les tengo un gran respeto”, contó el diseñador en la previa.

Evangelina Bomparola

La diseñadora vistió a Helena Otamendi, host digital de CARAS Moda, con una creación que proyecta en rojo y seda natural. Un encuentro entre calidad, fluidez y una manera personal de entender la elegancia y el lenguaje de la seda. Para Evangelina Bomparola, el vestido que creó habla de explorar nuevas posibilidades en un perfil joven y fresco como el de Hele. “La llevo por mi camino, que es un despojado, simple y neutro, siempre hablando este idioma de la calidad, el buen corte y el detalle”, dice Eva quien eligió el rojo en homenaje a CARAS porque es el color que identifica a la revista y lo trabajó no sólo para Helena sino para su propio look, en un gesto que también expresa el afecto construido durante años de encuentros con la revista. “Siempre me trataron con mucho respeto y cariño”, asegura.

El diseño que se definió directamente sobre el cuerpo de la host revelación en las redes de CARAS, es una pieza entera de seda natural, que jugó con el hilo y el bies para construir una silueta envolvente, fluida e insinuante. “No necesitamos ajustar la prenda para resaltarla. Fue como dibujar sobre ella”, cuenta Evangelina, que en 2027 cumplirá 25 años con la moda. “Para mí, la moda es un lenguaje. Una manera de expresar cómo nos sentimos, cómo nos vemos y cómo queremos relacionarnos con el mundo”, concluye la diseñadora en línea con la propuesta de esta edición de CARAS Moda.

Marcelo Giacobbe

Diseñar el cuerpo como una obra en movimiento. Entre bordados, seda, encaje y referencias al universo de la artista Samantha Rched Abugauch, Marcelo Giacobbe llega al CARAS Moda con una propuesta protagonizada por Zoe Centeno y Dafne Cejas. Una puesta donde diseño, danza y artes visuales se encuentran para pensar el cuerpo desde el movimiento.

Desde el comienzo de su carrera entendió la moda como un territorio donde pueden convivir disciplinas, materiales y lenguajes diferentes. La escultura ocupa allí un lugar central. Redes, cristales y materiales no convencionales aparecen dentro de un universo donde las prendas se construyen casi como piezas escultóricas que deben adaptarse al cuerpo. Su premisa es “que el buen diseño acompaña a la mujer que lo luce, haciéndola protagonista de la escena”. Para esta edición de CARAS Moda, esa búsqueda encuentra un nuevo diálogo en la obra de la artista cordobesa Samantha Rched Abugauch.

En particular, Giacobbe tomó como punto de partida Pavlova, atraído por la escala de su trabajo y por su interpretación del mundo natural. ¿El resultado? Una performance encabezada por la bailarina Zoe Centeno, donde la figura del cisne, recurrente tanto en el trabajo de la artista como en el imaginario del diseñador, se transforma en protagonista. El encuentro entre ambos universos surgió a partir de Dafne Cejas, modelo y galerista (Al Sur Gallery), quien acercó a Giacobbe a la obra de Rched Abugauch.

Para Centeno creó un vestido corset con cisnes bordados y una falda atravesada por cintas de raso y encaje. Para Cejas desarrolló un vestido corto de seda, con mangas amplias y volados en cascada. En CARAS Moda, ese recorrido personal se encuentra con una manera más amplia de entender el diseño argentino: como una convivencia entre artesanías, industria, saberes culturales, arte y experimentación. “El diseño es un eterno mirar hacia adelante”, concluye.

Matías Carbone

El deseo de vestir con identidad. Con el trabajo artesanal como sello, el diseñador viste a Juan Ingaramo en CARAS Moda con prendas de su colección de verano 2027. Una propuesta que cruza memoria familiar, espíritu porteño y vínculos que crecen al ritmo de la marca.

Antes de vestir a otros, Matías Carbone quiso hacerse la ropa que él mismo deseaba usar. En plena pandemia, después de años de asesorar marcas y dirigir equipos creativos, encontró el espacio para diseñar sin negociar colores, telas ni terminaciones. Así nació Carbone, un proyecto de pequeña escala que convirtió una búsqueda personal en una identidad compartida. “No me interesa hacer ropa que no me pondría”, asegura. En sus diseños hay una memoria íntima: su mamá tejía y bordaba, al igual que sus abuelas. Los suéteres hechos a mano y los manteles bordados se transformaron en referencias para una marca donde el oficio ocupa un lugar central. “Con Carbone quise devolverle a la industria un poco de todo lo que me enseñó. Cada prenda debe justificar sus materiales y el tiempo de quienes la realizan”, explica.

Juan Ingaramo lleva prendas de su colección de verano 2027 y con el músico ya realizó dos campañas y construyó un vínculo sostenido en la afinidad creativa. “Me encanta lo que hace, cómo piensa y su voz. Me parece una persona extremadamente sensible y a él le gusta mucho nuestra propuesta”, cuenta. La nueva temporada reúne estampas, texturas y bordados en una propuesta de impronta barroca. Los frescos, las rosas, los jarrones y la porcelana evocan los palacios porteños que lo deslumbraron cuando dejó Lomas de Zamora y empezó a descubrir otros escenarios de Buenos Aires. A esa ornamentación se suma la figura del galgo, cuya silueta depurada aporta un contrapunto.

Participar de CARAS Moda también significa compartir ese reconocimiento con quienes hacen posible la ropa. “Mis artesanas, mis bordadoras y mis tejedoras se emocionan cuando ven una noticia del proyecto en un medio”, cuenta y asegura que cuando le preguntan si la marca es un capricho, elige otra definición: “Es mi felicidad. Lo siento como un deseo cumplido”.

Esquina Esquina - Josefina Roveta 

El lujo de mirar lo propio. Josefina Roveta une artesanía, cultura pop e identidad argentina en una propuesta que desafía las convenciones. Para la propuesta de CARAS Moda, mostró un adelanto de colección y una experiencia de soguería criolla en vivo. Un textil de chaguar rosa con flecos larguísimos puede contar una historia ancestral y, al mismo tiempo, hablar el idioma de la moda contemporánea. En ese encuentro trabaja Josefina, la diseñadora detrás de Esquina. Curadora, historiadora del arte y gestora cultural, encontró en los oficios una forma de construir identidad. “Para nosotros, el lujo es el tiempo, el saber y lo irrepetible”, expresa.

Cada temporada, la marca explora una artesanía. “Nuestra idea no es ir a un artesano y decirle: ‘Te pago, hacé este diseño y chau’. Trabajar con mujeres wichís o con un maestro soguero supone conversaciones diferentes, pero una misma voluntad: crear juntos y dar protagonismo a esos saberes”. Esa búsqueda también abre preguntas sobre la identidad argentina. “¿Qué es lo propio? ¿Quién lo construyó? ¿Quién decidió que nos representaba?”. Josefina pone en diálogo las historias consagradas y las voces que quedaron fuera del relato nacional. De esos encuentros surge un repertorio de imágenes, símbolos y técnicas que crece con cada colección. En Esquina, esa profundidad convive con el brillo, el humor y las celebrities. “Esquina es una marca pop por definición y no le teme a la frivolidad”, asegura.

Para el encuentro, preparó una experiencia que permitió ver el oficio en acción. Su maestro soguero, Gerónimo, trabajó en vivo, acompañado por una exhibición de piezas realizadas para la marca y objetos de uso tradicional. La intención es revelar las horas y el conocimiento que hay detrás de cada detalle. También presentó un adelanto de su nueva colección, inspirada en las reinas regionales y las celebraciones de los pueblos rurales argentinos.

Frente a un mercado saturado de tendencias, la creadora apuesta por una mirada reconocible. Esquina, a cargo del look de Marta Fort, encuentra una señal alentadora cuando la publicación de una artesana despierta tanto interés como la de una celebrity. “La gente también tiene ganas de conocer y consumir esas historias. Hacerlas visibles es parte esencial del diseño”, define.

Luján Hæder

Para Luján Hæder no se trata de un reto más, sino más bien de una pieza con propio vuelo. Con apertura a algo más. “Lo nuevo fue diseñar desde la obra de otra artista. Imán Kaumann trajo su canción y, con ella, un universo que exigía escuchar antes de diseñar. Su identidad modificó nuestro lenguaje”, enmarca la diseñadora argentina que desde HÆDER y convocada por CARAS Moda profundiza su colaboración con Mancini, histórica casa de sastrería porteña, e incorpora a la artista, compositora y modelo internacional a través de una presentación inspiradora.

“Como directora creativa de HÆDER, desarrollé el relato, la curaduría y el diseño del look a partir del universo de su canción, “Hitchcock” y de su presencia en escena. Ante todo, me inspira la libertad de Imán, su feminidad desde la audacia, autonomía y fortaleza. Su proyección como modelo internacional convive con una voz artística propia: compone su música y acaba de presentar su segundo disco de estudio, Umbral. En ella, belleza, sensibilidad y autoría forman parte de una misma identidad”, dice la diseñadora que en un marco colectivo dio origen a un “Contraplano”: encuentro que surge del cruce entre sastrería, el diseño regenerativo que es su sello, la música, el maquillaje y la performance.

Sobre la construcción del diseño que tiene a Imán como musa y a través de su Sistema de Diseño Regenerativo, HÆDER interviene un clásico de Mancini y lo convierte en una nueva pieza escénica. Completa esta colaboración colectiva Jazmín Calcarami, fundadora y directora de Kabuki Makeup School, que lleva esa tensión visual al pelo y al maquillaje de Imán, mientras Catalina Greloni Pierri acompaña su realización desde la dirección ejecutiva. “HÆDER trabaja con transformaciones reversibles y registra la historia de cada prenda”.

MUSEII- Agustina Goyhman

En una etapa de simbiosis evolutiva con la marca y a dos años de su lanzamiento, Agustina Goyhman define a MUSEII como una extensión de su ADN. Todavía en constante búsqueda “porque es un proyecto joven”, pero con la certeza de la evolución en conjunto. “Voy creciendo como diseñadora y directora creativa. Con cada drop me animo a proponer nuevas siluetas, estampas, materiales y detalles. No quiero que cada colección reemplace a la otra. Sino que se superpongan y dialoguen”, cuenta la diseñadora que fue convocada para CARAS Moda con Agustín “Rada” Aristarán como figura invitada.

Junto al trabajo de la estilista de Rada, Jochi del Campo, Goyhman construyó un look con piezas del recién lanzado DROP 003 de MUSEII para el artista 360. “MUSEII dialoga naturalmente con el universo de Agustín. Su trayectoria hace que lo piense como una suerte de Da Vinci contemporáneo: artista multidisciplinario, curioso y de universo propio reconocible. Desde que nos conocimos hubo identificación con mi mirada sobre la sastrería deconstruida: piezas que parten de códigos que salen de lo convencional”.

Sobre la construcción del look sastrero “pero joven”, Goyhman destaca su versatilidad. “Trabajamos con tela sastrera noble repelente a la lluvia que adquiere brillo sutil con la luz. Chaleco que puede abrirse; pantalón que acompaña el movimiento y camisa blanca con cuello protagonista que puede arremangarse para hacer trucos de magia”, detalla Goyhman y agrega que “también aparece mi curaduría de botones, muchos donados mientras estudiaba en la UBA y hoy vuelven diferencial la colección”. Y cierra: “En MUSEII cada pieza lleva el nombre de un artista de las bellas artes. Un puente entre moda, arte, diseño y cultura. Hay una relación natural con el espíritu CARAS Moda: distintas disciplinas encontrándose para construir algo nuevo”.

Javier Saiach

Vestir a Moria Casán: vestir a un ícono. Para CARAS Moda, Javier Saiach creó una pieza especialmente pensada para la diva. La arquitectura, el brillo, el bordado artesanal junto a volúmenes escultóricos se lucen en un diseño que celebra la potencia de una figura irrepetible y reafirma el lenguaje de una maison construida sobre la identidad.

Después de años dedicados a construir un universo propio dentro de la alta costura, Saiach atraviesa una etapa marcada por la certeza. Ya no se trata de buscar una identidad, sino de profundizarla. “Hoy me interesa reafirmar un lenguaje propio, desde una visión que busca proponer y marcar tendencia, no seguirla”, asegura el diseñador, para quien esta etapa está atravesada por una mayor libertad creativa. Esa búsqueda encontró en Moria una interlocutora perfecta. Figura central de la cultura argentina, su presencia exigía una pieza capaz de acompañar su potencia sin intentar competir con ella. “Con Moria no se trata simplemente de vestir a una celebridad; se trata de vestir a un ícono”, resume Saiach.

El diseño parte de una silueta limpia, recta y casi arquitectónica: un strapless largo hasta el piso que funciona como base para un elaborado trabajo de superficie. Sobre paillettes plateadas, el diseñador desarrolló un bordado sobre tul nude en tonos dorados, plata, cobre y bronce, combinando piedras, canutillos, mostacillas, cristales y pequeños pétalos recamados.

El gesto más impactante aparece en las mangas: realizadas con láminas de acetato rose poudré, fueron cortadas, modeladas y ensambladas artesanalmente como si se tratara de piezas de joyería. El resultado son volúmenes escultóricos que rodean hombros y brazos y llevan el vestido hacia un barroquismo contemporáneo. “La silueta es pura; toda la exuberancia aparece en el trabajo artesanal”, explica.

En la pieza conviven varios de los códigos que lo definen: construcción precisa, brillo, volumen, oficio y una femineidad intensa. Pero la personalidad de Moria permitió llevarlos a un territorio más teatral y exuberante. Para Saiach, ahí aparece uno de los desafíos más interesantes del diseño: lograr que una creación conserve la identidad de la maison y, al mismo tiempo, sea transformada por quien la lleva.

Luz Ballestero

La comodidad puede ser una decisión de diseño. En su universo, el volumen, la caída y los recursos constructivos permiten explorar nuevas formas. Esa búsqueda define el recorrido de la creadora y ofrece una clave para acercarse a su presencia en CARAS Moda: una mirada de autor que encuentra en lo cotidiano un espacio para la expresión personal.

Graduada en Diseño de Indumentaria en la Universidad de Buenos Aires, Ballestero trabajó junto a Vero Ivaldi, Laura Valenzuela y María Cher antes de trasladarse a Treviso, Italia, en 2008, para incorporarse al área de diseño de United Colors of Benetton. La experiencia amplió su formación y reforzó el deseo de crear algo propio. Por eso comenzó a desarrollar la firma que lanzó en 2011. Y su propuesta urbana buscó acompañar distintos momentos del día. La influencia deportiva apareció como una herramienta para pensar materiales y estructuras que dieran libertad al cuerpo. “Que la mujer se sienta cómoda todo el día”, sostiene.

Su selección para el International Fashion Showcase de Londres le abrió una ventana mundial. Y el reconocimiento acompañó un lenguaje que apostaba por prendas de uso real. El desafío era que una misma pieza pudiera funcionar durante la jornada y transformarse para la noche con accesorios.

En su recorrido encontró otra expresión en “Fuera de Ruta”, su colección Primavera-Verano 2027. Las superposiciones, las prendas anudadas y las siluetas desestructuradas evocaron la espontaneidad de un viaje. Amarillos, marrones, rojos y azules acompañaron una propuesta inspirada en la experiencia analógica y en la posibilidad de conectar con el presente, como se vio en los looks de India Ortega, Agostina Helena y la DJ Maca Viva.

Min Agostini

Con una mirada atravesada por la arquitectura, la tridimensión y la experiencia textil, Min Agostini convirtió la construcción directa sobre el cuerpo en su lenguaje personal.

Antes de estudiar diseño de indumentaria, Min ya diseñaba sobre su propio cuerpo, moldeando telas y buscando respuestas. Aquella experimentación terminó convirtiéndose en el germen de un lenguaje que años más tarde encontraría nuevas herramientas en su formación como arquitecta en Argentina y Estados Unidos y en su especialización en indumentaria en Milán. Hoy, define ese método como “Construcción al Cuerpo”: una manera de diseñar desde la tridimensión, donde la tela encuentra su forma a partir de ella. El espacio, el volumen y el movimiento se convierten en materiales tan importantes como el propio textil. “Busco que la mujer que usa mis diseños se sienta bien: cómoda, segura, favorecida y a gusto consigo misma”, explica. Lejos de las tendencias apuesta por prendas capaces de acompañar distintos cuerpos, edades y momentos de la vida.

Para Agostini, calidad y permanencia funcionan como una forma de pensar un consumo más consciente. Para CARAS Moda encontró en Bárbara Lombardo una nueva interlocutora. Y el encuentro comenzó con una conversación sobre el cuerpo y lo que Bárbara quería. “Charlamos sobre qué quería destacar... Bárbara conoce muy bien su cuerpo, y le quedó impecable”.

El conjunto de dos piezas fue realizado con género recuperado de cortina roller, un material ajeno a la indumentaria que fue plegado y en tablas, sin moldería previa. Trabajar con textiles industriales o materiales que no fueron pensados para vestir forma parte de su proceso creativo. Es esa condición la que le permite encontrar nuevos volúmenes y desarrollar soluciones constructivas. Y cada intervención fue hecha a mano y pensada para responder a las características del material. No trabaja bajo la lógica tradicional de las temporadas; deja que las piezas dialoguen entre sí. En sus look aparecen sus códigos reconocibles: la asimetría, los pinzados no convencionales, la construcción directa sobre el cuerpo y los volúmenes que exceden la figura. La moda sucede entre una persona y lo que decide vestir y le interesa crear piezas que puedan permanecer.

Carlos Herrera, Gerónimo Lagos y Beto Romano

En un evento que celebra la moda, atravesada por la imagen y el arte, Carlos Herrera -representado por Ruth Benzacar Galería de Arte- incorpora su arte, que forma parte de un proyecto colectivo que triangula con el de dos artistas que presentan como resultado una propuesta innovadora. Una videoperformance en la que Herrera, con Beto Romano, artista y diseñador textil, y Gerónimo Lagos -productor audiovisual vinculado a la moda, filmmaker y director de arte- fusionan sus conocimientos para crear “El Pan de Cada Día”.

Su performance quiebra fronteras entre pantalla y espacio e invierte los roles: el espectador deja de ser observador pasivo para ser expuesto. Y en una zona de contagio entre la instalación de Herrera, el vestuario de Romano y la mirada audiovisual de Lagos, todo pierde su función convencional. “El desafío fue introducir una obra con una dimensión perturbadora en un universo asociado al glamour. Es genial introducir una imagen inquietante en un contexto de belleza y celebración”, explicó Herrera, artista audiovisual que abarca escultura, instalación, y performance.

“Hay algo especial en compartir este trabajo nacido del encuentro de tres sensibilidades y llevarlas a otro contexto transformadas en materia, imagen y lenguaje”, suma Beto, fundador de Esteta Studio. Y como sello de este trío que expone al cuerpo como un territorio frágil –con una pieza audiovisual de 7 escenas- completa el diseñador de imagen y sonido Gerónimo Lagos: “Que la obra se exponga en CARAS Moda es un gran salto. Nuestra creación es una unión alquímica, un “Frankenstein”, que genera nuevas posibilidades de producción artística”, dice. “Y sumamos una segunda performática transformando la obra en una experiencia. La gran pantalla y el sonido de Artlab nos brindan esa oportunidad”, añade el trío, a cargo del look de Minerva Casero.

Fabián Zitta, Evangelina Bomparola, Marcelo Giacobbe, Matías Carbone, Josefina Roveta, Luján Hæder, Agustina Goyhman, Javier Saiach, Luz Ballestero, Min Agostini, Carlos Herrera, Gerónimo Lagos y Beto Romano dejaron ver su trabajo y el proceso creativo que los llevó a diseñar los looks que briillaron en la noche. Con lenguajes y estéticas diversas,  los diseñadores que formaron parte de CARAS Moda encuentran su manera de contar quiénes son y que es el el diseño para ellos, mostrando su propo universo.